Le Christ de Paul Gaugun

Le Christ au Jardin des Oliviers. Paul Gaugun

 

Le Christ vert

Calvaire breton

Le Christ vert, ou Calvaire breton, est un tableau que Paul Gauguin réalise en 1889 à Pont-Aven, représentant un calvaire breton, de couleur verte, à proximité de la mer, au-dessus des dunes, avec une Bretonne assise au premier plan. Ce tableau est conservé aux musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, à Bruxelles.

Le Christ vert ou Calvaire breton est réalisé par Paul Gauguin en 1889 pendant son séjour à Pont-Aven, peu avant de peindre le Christ jaune.

Il fait partie des quelques toiles à thématique religieuse de cette période, qui se distinguent et constituent selon Manuel Jover le noyau originel du symbolisme en peinture, comprenant notamment le Christ jaune, le Christ vert, l’Autoportrait au Christ jaune.

Il figure dans la collection de M. Jos (Joseph) Breckpot à Bruxelles en 1922, propriétaire de la galerie Breckpot, lorsqu’il est acquis par les musées royaux des Beaux-Arts de Belgique.

 

Description

Le tableau est une huile sur toile, de 92 cm de haut sur 73,5 de large. Il est signé et daté « P Gauguin 89 », en bas sur la gauche.

Il représente un calvaire breton, de couleur verte, plus précisément la pietà ou Vierge de pitié, Marie portant le Christ mort, descendu de la croix, le bras droit pendant verticalement, paume ouverte. La pietà comporte aussi deux autres saintes femmes, de part et d’autre de Marie. Juste derrière Marie est représenté le début du fut portant la croix du calvaire.

Juste devant le calvaire, au premier plan, une Bretonne assise, l’air fatigué, semble sur le point de se lever, un panier à la main.

Derrière le calvaire, et en contrebas, de hautes dunes jaunes sont représentées sur la gauche du tableau. Légèrement verdoyantes, elles s’ouvrent sur la mer d’un vert sombre. Deux petits personnages marchent entre les dunes. Le ciel, nuageux, est d’un bleu grisâtre.

La pietà reproduite est celle qui figure sur le calvaire à côté de l’église de Nizon, près de Pont-Aven. Gauguin a représenté le calvaire transposé devant les dunes du Pouldu, au bord de la mer de couleur entourés d’un cerne (qui les cloisonne), stylisées à la façon de motifs ornementaux, des couleurs pures, bref un type de représentation n’ayant plus qu’un lointain rapport avec les choses représentées.

Leurs sujets sont empruntés à la vie quotidienne des populations locales, un mode de vie apprécié non pour son pittoresque, mais pour son « authenticité » : loin de la vie agitée et corrompue des grandes villes modernes, ignorant la société industrielle, les Bretons mènent une existence régie par leurs traditions ancestrales, ils offrent l’image d’une humanité plus proche des origines, accordée à la nature et pétrie de religiosité.

Symbolisme obscur et subtil

Peintre autodidacte, formé dans l’orbe des impressionnistes, et voyageur toujours en quête d’horizons lointains, Gauguin trouve en Bretagne les conditions propices à l’éclosion de son génie. « J’aime la Bretagne, écrit-il : j’y retrouve le sauvage, le primitif. Quand mes sabots résonnent sur ce sol de granit, j’entends le son sourd, mat et puissant que je cherche en peinture. »

Dans l’abondante production bretonne de Gauguin, une série de toiles à thématique religieuse se distingue, elles conjuguent la recherche formelle très poussée à une dimension « idéelle » qui les a fait percevoir comme le noyau originel du symbolisme en peinture. Ces œuvres sont célèbres, il s’agit du Christ au jardin des Oliviers, de la Vision après le sermon (La Lutte de Jacob avec l’ange), du Christ jaune, du Christ vert, de l’Autoportrait au Christ jaune. La Vision montre les personnages du sermon (Jacob et l’ange) tels que les auditrices peuvent se les figurer mentalement, mais projetés devant leurs yeux ; le Christ vert montre une Bretonne assise au pied d’un calvaire sculpté. Ici, on ne sait exactement quelle est la nature de ce Christ. Est-ce un crucifix avec des Bretonnes en prière ? Est-ce le « vrai » Christ, transposé en Bretagne, avec les saintes femmes à ses pieds ?

Le peintre définissait son tableau comme « un mélange inquiétant et savoureux de splendeur barbare, de liturgie catholique, de rêverie hindoue, d’imagerie gothique, de symbolisme obscur et subtil ». Le charme pénétrant de l’œuvre tient en partie à l’ambiguïté du sujet. Il tient au travail de la couleur, ce bain chromatique de jaunes et d’orangés. Il tient au cadrage inhabituel, le patibulum de la croix rivé au bord supérieur de la toile. Et il tient au détail : la minuscule silhouette du Breton enjambant le muret dans les champs. Cette amusante note de quotidienneté, de chose vue, épinglée dans l’instant, rehausse par contraste le grand geste éternel du Crucifié embrassant tout l’espace, le silence des prières sanctifiant le paysage entier. On a l’impression d’un monde, d’un « pays » littéralement infusé par le sentiment religieux.

 

 

Le Christ Jaune

En 1889, Paul Gauguin (1848-1903) est à Pont-Aven, petite ville bretonne du Finistère, où s’est installée une colonie d’artistes. Il y avait séjourné plusieurs fois, depuis 1886, formant, avec ses camarades Émile Bernard, Paul Sérusier et quelques autres, ce que les historiens ont depuis appelé l’« école de Pont-Aven » : un style de peinture, fondé sur le cloisonnisme de Bernard et le synthétisme de Gauguin, qui privilégie les formes traitées en aplats

 

Paul Gauguin, Le Christ jaune, 1889 (92 × 73 cm), Buffalo, Albright-Knox Art Gallery.LA COLLECTION

En 1889, Paul Gauguin (1848-1903) est à Pont-Aven, petite ville bretonne du Finistère, où s’est installée une colonie d’artistes. Il y avait séjourné plusieurs fois, depuis 1886, formant, avec ses camarades Émile Bernard, Paul Sérusier et quelques autres, ce que les historiens ont depuis appelé l’« école de Pont-Aven » : un style de peinture, fondé sur le cloisonnisme de Bernard et le synthétisme de Gauguin, qui privilégie les formes traitées en aplats

htps://www.la-croix.com/Journal/Christ-jaune-2017-05-26-1100850446

 

Portrait de l’artiste au Christ jaune

Réalisé à la veille de son premier départ pour Tahiti, le Portrait de l’artiste au Christ jaune constitue un véritable manifeste. Il s’agit en réalité d’un portrait au triple visage, dans lequel l’artiste révèle différentes facettes de sa personnalité. Alors méconnu, incompris, abandonné par sa femme qui est rentrée au Danemark avec leurs enfants, Gauguin peine à obtenir une mission officielle pour s’établir dans les colonies.

Dans la figure centrale, le regard fixe que Gauguin adresse au spectateur exprime le poids de ses difficultés, mais également toute sa détermination à poursuivre son combat artistique. Il représente derrière lui deux autres de ses œuvres , réalisées l’année précédente, qui se confrontent d’un point de vue esthétique et symbolique.

A gauche se trouve Le Christ jaune, image de la souffrance sublimée, auquel Gauguin prête ses propres traits. Mais le bras étendu par le Christ au-dessus de la tête du peintre évoque également un geste protecteur. Le jaune de ce tableau, couleur fétiche de l’artiste, s’oppose au rouge du Pot autoportrait en forme de tête de grotesque, posé à droite, sur une étagère. Ce pot anthropomorphe que Gauguin décrivait lui-même comme une « tête de Gauguin le sauvage » porte la trace du grand feu qui en a pétrifié la matière. Avec son masque grimaçant et sa facture primitive, il incarne les souffrances et le caractère sauvage de la personnalité de Gauguin.

Entre l’ange et la bête, entre synthétisme et primitivisme, Gauguin anticipe l’importance et la gravité de la grande aventure artistique et humaine qu’il s’apprête à vivre.

 

La spiritualité de Gaugun

Gauguin – Les chemins de la spiritualité

Christian Jamet

Edition Cohen et Cohen, 2020. 353 pages.

 

Présentation de l’éditeur

Malgré les célèbres Vision du sermon ou Christ jaune, l’image répandue de Paul Gauguin n’est pas celle d’un être enclin à la spiritualité. Sa formation religieuse au petit séminaire d’Orléans l’a pourtant marqué d’une empreinte durable. Notre ouvrage analyse les étapes d’un parcours spirituel qui a conduit Gauguin de la théologie de sa jeunesse à la réfutation des dogmes.

En dépit de son aphorisme provocateur  » Il faut tuer Dieu « , Gauguin n’a en fait jamais cessé d’être fasciné par ce qu’il nommait  » l’Insondable Mystère « . Confrontant la religion de son enfance à diverses formes de pensée et de spiritualité au fil de ses lectures et de ses rencontres, il est resté convaincu de la valeur universelle de l’Évangile dont il a toutefois contesté l’interprétation littérale. Sous l’influence de la théosophie, il a peu à peu évolué vers un syncrétisme religieux mêlant Jésus, Bouddha, les divinités hindoues et polynésiennes à l’animisme le plus primitif dans une quête passionnée du divin.
Le présent ouvrage se propose d’analyser les étapes d’un parcours spirituel qui a conduit Gauguin de la théologie de sa jeunesse à la réfutation des dogmes. Outre une analyse des œuvres et des textes du peintre-écrivain nécessaires à la compréhension de sa spiritualité, on trouvera ici une présentation des livres majeurs qui ont directement ou indirectement nourri sa réflexion.

 

Biographie de l’auteur

Agrégé de l’Université et docteur en littérature comparée, Christian Jamet a enseigné durant de nombreuses années en classes préparatoires aux grandes écoles en partageant cette activité avec l’écriture. Dans des romans où se mêlent fiction et réalité, il a notamment fait revivre le peintre du Bain turc dans M. Ingres et Magdeleine ou encore Claude Monet. Il est également auteur de plusieurs ouvrages d’histoire de l’art : Botticelli – Le sacré et le profane, Delacroix – Images de l’Orient, Introduction à la peinture, Célébration de l’offrande (en collaboration avec Michel Tournier)… Le livre qu’il a consacré aux années orléanaises de Paul Gauguin, en 2013, lui a valu un Laurier vert, prix littéraire qui lui a été remis par Gonzague Saint Bris lors de la 18e édition de la Forêt des Livres présidée par René de Obaldia de l’Académie française.

 

 

Paul Gauguin : une vie, une oeuvre 

Peintre français (Paris 1848-Atuona, îles Marquises, 1903).

Voyageur dans l’âme, Paul Gauguin suit une trajectoire artistique qui fait la transition entre l’impressionnisme et le symbolisme. Par ses formes et ses couleurs, il exerce une influence décisive sur les peintres fauves et expressionnistes.

 

1. LA VOCATION FORCÉE

De sa prime enfance passée au Pérou, Paul Gauguin gardera le goût de l’inconnu. Il s’engage dans la marine en 1865, mais, suivant les conseils de son tuteur Gustave Arosa (qui est un collectionneur de peintures), il la quitte en 1871 pour entrer chez un agent de change parisien.

Marié en 1873 avec une Danoise, Mette-Sophie Gad, dont il aura cinq enfants, il peint le dimanche et fréquente l’académie fondée par l’Italien Filippo Colarossi. Camille Pissarro, ami des Arosa, le conseille et l’incite à participer, à partir de 1879, aux expositions impressionnistes ; il l’invite ensuite à travailler à Pontoise avec Jean-Baptiste Armand Guillaumin et Paul Cézanne, dont l’exemple pousse Gauguin à se détacher de l’impressionnisme.

À la fin de 1883, chassé de la Bourse par la crise économique, Gauguin tente d’abord de vivre de sa peinture à Rouen, où Pissarro et Claude Monet sont en relation avec de riches amateurs, puis il décide de faire du commerce au Danemark. Il échoue et regagne Paris en 1885, sans femme ni enfants. Son destin est scellé : pendant des années, il continue à rêver d’affaires, mais la peinture est devenue sa vie.

 

2. L’IMPRÉGNATION BRETONNE
3. 

Paul Gauguin, Lutte de Jacob avec l’ange

Au retour d’un premier voyage à Pont-Aven, Gauguin expose en 1886 les toiles qu’il en rapporte avec celles de la période de Rouen et du Danemark, aux tonalités denses et sourdes.

L’année suivante, faisant un séjour en Martinique où il s’essaye au métier de planteur, il y exécute des tableaux discrètement pointillistes où apparaissent l’exotisme et la couleur dont ses souvenirs du Pérou et ses voyages en mer ont inscrit les émerveillements dans sa mémoire (Bord de mer).

Le second séjour de Gauguin à Pont-Aven se situe en 1888. Des longues discussions avec le jeune Émile Bernard naît alors une esthétique nouvelle opposant au néo-impressionnisme le synthétisme (couleurs pures posées à plat, cernes sombres), dont la Vision après le sermon (1888) – ou la Lutte de Jacob avec l’Ange – est l’œuvre manifeste.

 

3. EN ARLES AVEC VAN GOGH

Paul Gauguin, Vieilles Femmes à Arles

Gauguin apparaît comme le chef de l’école symboliste au cours de cette période, où s’intercalent, de novembre à décembre 1888, le séjour en Arles chez Vincent Van Gogh et les toiles éclatantes (les Alyscamps). Gauguin quitte Van Gogh après une violente crise de folie de ce dernier. La Belle Angèle (1889), le Christ vert (1889) reflètent les préoccupations plastiques et morales de cette période, que va suivre le premier voyage à Tahiti (1891-1893).

 

4. L’APPEL DE L’EXOTISME

Paul Gauguin, Quoi ? Tu es jalouse ?

La vie de Paul Gauguin s’est partagée entre l’Europe et les Tropiques. C’est la Polynésie qui lui insuffle une force créatrice nouvelle en faisant de lui le premier grand peintre à apprécier et à étudier les arts que l’on dit aujourd’hui « premiers », puis à en livrer les clés à l’Occident.

« Je pars pour être tranquille, pour être débarrassé de l’influence de la civilisation », déclare Gauguin avant de s’embarquer pour Tahiti, au printemps 1891. « Je ne veux faire que de l’art simple ; pour cela, j’ai besoin de me retremper dans la nature vierge […] sans autre préoccupation que de rendre, comme le ferait un enfant, les conceptions de mon cerveau avec l’aide seulement des moyens d’art primitifs, les seuls bons, les seuls vrais. »

 

5. RECONNAISSANCES D’ARTISTES

Paul Gauguin, Arearea (« Joyeusetés »)

Gauguin trouve à Tahiti l’univers relativement préservé dont il rêvait (Femmes de Tahiti, 1891). Mais, craignant à la fois les intrigues et l’oubli, il revient à Paris dès qu’il a suffisamment de tableaux nouveaux pour exposer chez Durand-Ruel (Arearea [ou Joyeusetés], 1892 ; la Lune et la Terre, 1893).

Voyant ses œuvres, Stéphane Mallarmé s’émerveille d’y trouver « tant de mystère dans tant d’éclat ». Non seulement les écrivains – dont August Strindberg  et Charles Morice, avec lequel il compose son autobiographie, Noa-Noa (1897) – mais aussi les musiciens fréquentent son atelier.

Pourtant, le succès financier se fait attendre. Un procès perdu, une échauffourée à Concarneau, où des marins se moquent de sa compagne Annah la Javanaise, et Gauguin, écœuré par l’Europe, repart en 1895 pour Tahiti.

 

6. ENFER ET PARADIS.

Paul Gauguin, Nevermore

À la religiosité confuse des œuvres bretonnes succèdent en Polynésie les grands mythes (plaisir, peur, mort), les formes massives aux couleurs saturées. La joie d’un retour aux sources baigne les tableaux de 1896 (Jours délicieux), puis l’angoisse s’infiltre (Nevermore, 1897).

Souffrant et déprimé par l’annonce de la mort de sa fille Aline, Gauguin pense au suicide. D’où venons-nous ? Que sommes-nous ? Où allons-nous ? (1897) a dès lors valeur de testament.

Le regain d’enthousiasme qui suit son installation au village d’Atuona, dans l’île d’Hiva-Oa, aux Marquises (1901), est générateur de chefs-d’œuvre où passe son sentiment d’un univers édénique (Contes barbares, 1902 ; Cavaliers au bord de la mer, ibid.). Gauguin exécute également des sculptures. Mais, épuisé par la maladie, par l’alcool et par de lancinants démêlés avec les autorités locales, il trouve la mort peu avant d’atteindre l’âge de 55 ans.

 

7. CITATIONS

Paul Gauguin

« Le laid peut être beau, le joli, jamais. »

Paul Gauguin

« Les impressionnistes cherchent autour de l’œil et non au centre mystérieux de la pensée. »

Paul Gauguin, cité par André Breton (le Surréalisme et la peinture).

 

https://www.larousse.fr/encyclopedie/personnage/Paul_Gauguin/120941

Paul Gugun

Paul Gauguin jouant de l’harmonium à l’atelier d’Alphonse Mucha, rue de la Grande-Chaumière, Paris (vers 1895)